토론토 스코샤뱅크 아레나에서 브링 미 더 호라이즌(Bring Me The Horizon)의 무대가 시작되기까지 아직 3시간이 남았습니다. 하지만 무대 뒤의 올리 사이크스(Oli Sykes)에게서는 수백만 명이 알고 있는 모습과 전혀 다른 분위기가 느껴집니다.

가장 먼저 나를 놀라게 한 것은 그의 향기였습니다. 지금까지 경험해 보지 못한 미묘한 향이었는데, 과하지 않으면서도 명확하게 우아했습니다. 올리 자신처럼 은은하게 남아 깊은 인상을 남깁니다. 차분하고 부드러운 말투에 내면이 단단한 그는 신사다운 정숙한 침착함을 지니고 있었습니다. 그 맞은편에 앉아 있으면, 단 몇 시간 뒤 수천 명의 관객이 모인 아레나에서 땀에 흠뻑 젖은 채 비명을 지를 올리의 모습과 지금의 그를 매칭하기가 쉽지 않습니다.

매진된 아레나와 헤드라이너 페스티벌 무대에 서기 훨씬 전, 그들에게는 거창한 마스터플랜 같은 것은 없었습니다. 올리는 아직 대학에 다니고 있었고, 본인도 인정했듯 학업을 즐기지 못하고 있었습니다. 음악만이 유일하게 추구할 가치가 있는 것처럼 느껴졌습니다. 비슷한 시기에 그는 동네 공원에서 훗날 밴드 동료가 될 사람들을 만났습니다. 그들 중 누구도 정식 교육을 받은 적이 없었습니다. 오직 호기심과 직관, 어떻게든 해낼 것이라는 확신에 이끌려 독학으로 모든 것을 배워나갔습니다.

RSK: 밴드 초기 시절, 거창한 야망이나 목표가 있었나요? 당시 영감을 받은 음악 장면은 어땠는지 궁금합니다.

Oli Sykes: 우리가 영감을 받거나 듣던 모든 음악은 규모가 정말 작았어요. 영국의 하드코어나 메탈 신 같은 건 당시에 막 떠오르는 작은 분야에 불과했거든요. 우리가 좋아했던 밴드들은 주로 펍(Pub)에서 공연을 하곤 했죠. 주말이면 하드코어 메탈 공연을 보러 가곤 했는데, 펍에서 관객 100명 남짓 모아놓고 하는 공연이었어요. 그러니 우리가 다루는 음악 자체가 워낙 비주류였기 때문에 대형 밴드가 되겠다는 현실적인 야망 같은 건 전혀 없었습니다.

[Background]

2000년대 초반 영국에서 메탈코어는 출세 가도가 아니었습니다. 16~17세였던 멤버들은 여전히 부모님과 함께 살았고, 그들의 어머니들이 지역 공연장까지 차로 태워다 주었습니다. 일반적인 공연 출연료는 20파운드 정도였습니다. 한번은 공연 대가로 100파운드를 받은 적이 있었는데, 그것만으로도 부자가 된 기분이었습니다.

그들의 꿈은 아레나 무대가 아니었습니다. 그저 공연을 할 수 있기만을 바랐습니다. 그러나 그들이 가장 먼저 맞닥뜨린 것은 기회가 아니라 적의였습니다.

RSK: 밴드의 초기 시절 중 가장 힘들었던, 최악의 순간은 언제였나요?

Oli Sykes: 우리는 엄청난 미움과 증오를 받았습니다.

[Background]

당시 브링 미 더 호라이즌의 외모는 전통적인 메탈 신에서 받아들일 수 있는 모습이 전혀 아니었습니다. 눈을 가리는 곧게 핀 앞머리, 스키니진, 그리고 메이크업. 그들은 가는 곳마다 튀었고, 그에 대한 대가를 치러야 했습니다.

RSK: 당시 주변의 반발이나 언론, 관객들의 반응은 구체적으로 어땠나요?

Oli Sykes: 우리는 어디서나 눈에 띄는 미운 오리 새끼 같았어요. 지난 몇 년 동안 정말 우리 스스로를 증명해 내야만 했죠. 잡지나 미디어 프레스에 노출되기 시작했을 때도 그 분위기는 이어졌습니다. 기자들은 우리를 싫어했어요. 특히 영국에서는 그냥 '사람들이 대놓고 미워하기 딱 좋은 밴드' 중 하나가 되어버렸죠. 사실 영국에서만 유독 그랬습니다. 메탈 커뮤니티 역시 우리가 '진정한 메탈'이 아니라는 이유로 받아들여 주지 않았어요.

그래서 정말 겁나는 순간들이 많았습니다. 공연장에서 맞거나 폭행을 당할까 봐 무서웠던 적도 있었으니까요. 잡지 기사가 나오면 그걸 읽고 "맙소사, 우리가 무슨 쓰레기 같은 인간처럼 적혀 있네" 하며 놀라곤 했죠. 페스티벌 무대에 올라가면 사람들이 우리에게 병을 던졌습니다. 정말 미친 것 같은 상황이었죠.

[Background]

그들의 데뷔 앨범은 미국 투어, 수상, 그리고 모든 불가능한 꿈들이 한 번에 펼쳐지는 것 같은 느낌을 가져다주었습니다. 모든 예상을 깨고, 자신들을 둘러싼 적대감에도 불구하고 브링 미 더 호라이즌은 마침내 성공을 거두었습니다.

그 시절을 돌이켜보며 올리는 밴드가 그때까지 스스로를 창의적으로 한계까지 몰아붙이지는 않았었다고 솔직히 인정합니다. "우리가 다 함께 앉아서 정말 노력하고, 스스로를 몰아붙이며, 우리만의 사운드를 찾으려 한다면 무슨 일이 일어날까?" 이미 성공한 방식을 반복하기보다는 전혀 다른 무언가가 되기 위해 도전했습니다. 그 결과물이 바로 앨범 **《Suicide Season》**이었습니다.

반발은 즉각적이었습니다. 팬들은 깨끗해진 클린 보컬에 의문을 제기했습니다. 평론가들은 뉘 메탈(Nu-metal)의 영향을 받았다며 깎아내렸습니다. 슬립놋(Slipknot)과의 비교는 칭찬이 아닌 깎아내리기 위한 모욕으로 사용되었습니다. 한동안 밴드는 자신들이 쌓아 올린 모든 것을 스스로 파괴했다고 생각했습니다.

하지만 시간이 흐르며 사람들이 점점 이를 받아들이기 시작했습니다. 몇 달 후, 대중의 평가가 뒤바뀌기 시작했습니다. 처음에 배척당했던 그 앨범은 밴드 커리어를 대표하는 명반 중 하나로 자리 잡았고, 결과적으로 그들을 완전히 새로운 단계로 도약시켰습니다.

RSK: 과감한 음악적 변화를 시도했던 《Suicide Season》은 결국 밴드에게 어떤 결과를 가져다주었나요?

Oli Sykes: 우리는 그 앨범을 만들면서 정말 큰 위험을 감수했고, 그 모험은 엄청난 보상으로 돌아왔습니다.

[Background]

그 경험은 이후 밴드가 계속해서 지켜나가는 불문율을 만들어 냈습니다. '절대 똑같은 앨범을 두 번 만들지 않는다.' 모든 음반은 낯선 영역을 파고들어야 하며, 모든 창의적 결정은 타인의 기대가 아닌 호기심에서 출발해야 한다는 것입니다. 이것은 끊임없이 변화하는 브링 미 더 호라이즌의 사운드 속에서 유일하게 변하지 않는 철학이 되었습니다.

당연하게도, 음악적 재창조가 일어날 때마다 청중은 갈라졌습니다. 새 앨범이 나올 때마다 변화를 환영하는 이들과 거부하는 이들 사이에서 똑같은 논쟁이 벌어졌습니다. 그러나 브링 미 더 호라이즌은 청중의 승인을 창작 과정의 출발점으로 삼는 것을 오래전에 그만두었습니다.

RSK: 앨범을 낼 때마다 호불호가 갈리곤 합니다. 음악을 만들 때 대중의 평가나 시선을 어떻게 받아들이고 컨트롤하시나요?

Oli Sykes: 위대한 음악은 그렇게 만들어지는 게 아닙니다. 다른 누군가를 위해 음악을 쓰는 것이 아니라, 나 자신을 위해, 나를 정말 흥분하게 만드는 음악을 써야 합니다. 우리가 하는 일은 그게 전부입니다.

새 음반을 내놓을 때마다, 그 안에 담긴 모든 노래에 대해 저는 *"난 이 곡이 너무 좋아. 지금 이 순간, 이건 나에게 완벽해"*라고 느낍니다. 물론 어떤 사람들은 좋아하지 않을 거라는 걸 알고 있습니다. 하지만 그 사람들의 입맛에 맞추려고 음악을 쓰기 시작하면, 결국 아무도 좋아하지 않는 이도 저도 아닌 음악을 쓰게 될 겁니다.

그렇기 때문에 제가 할 수 있는 전부이자 유일한 것은, 내가 사랑하고 나를 가슴 뛰게 만드는 음악을 쓰는 것입니다. 그렇게 마음을 담아 진심으로 음악을 만든다면, 나와 똑같은 감정을 느끼는 수많은 사람들이 세상에 존재할 거라 믿습니다.

[Editor's Note]

이 대화를 되짚어보면, 이번 인터뷰는 맨바닥에서부터 음악적 커리어를 쌓아 올리는 방법에 대한 일종의 '마스터클래스'처럼 느껴졌습니다. 브링 미 더 호라이즌의 여정을 통해 우리는 소셜 미디어도, 알고리즘도 없던 2000년대 초반의 음악 산업으로 잠시 돌아갈 수 있었습니다. 당시의 성공이란 매서운 비판적 미디어를 헤쳐 나가고, 자신들을 이해하지 못하는 관객들 앞에서 매일 밤 스스로를 증명해 내는 것을 의미했습니다.

세상에 자신의 비전을 거창하게 선언할 필요도, 타인을 만족시키기 위해 자신의 취향을 타협할 필요도 없습니다. 중요한 것은 자신의 직감을 믿고, 자신을 가슴 뛰게 하는 것을 신뢰하며, 그 비전을 갈 수 있는 데까지 밀어붙이는 것입니다.

자신을 무너뜨리지 못했던 수많은 싸움들을 담담히 회상하는 올리를 보며, 그가 무대 위에서 보여준 그 어떤 폭발적인 순간보다 훨씬 더 강력한 내면의 힘을 느낄 수 있었습니다.

Photo by: Matty Vogel

A Voice More Powerful Than a Scream: Bring Me The Horizon’s Journey Through Rejection, Reinvention, and Redemption

There are still 3 hours to go before Bring Me The Horizon take the stage at Toronto’s Scotiabank Arena, but backstage, Oli Sykes couldn’t feel further removed from the image millions know.

The first thing that catches me off guard is his scent. A subtle fragrance unlike anything I’ve encountered before, understated yet unmistakably elegant. It lingers just enough to leave an impression, much like Oli himself. Calm, soft-spoken, internally anchored, he carries himself with the quiet composure of a gentleman. Sitting across from him, it’s difficult to reconcile this version of Oli with the one who, only hours later, will be drenched in sweat, screaming before an arena of thousands.

Long before sold-out arenas and headline festival slots, there was no master plan.

Oli was still in college, and by his own admission, not enjoying it. Music felt like the only thing worth chasing. Around the same time, he met the people who would eventually become his bandmates in a local park. None of them had formal training. They taught themselves everything, driven by little more than curiosity, instinct, and the conviction that somehow they would figure it out along the way.

“All the music we were inspired by, or listening to was really small. Like, it was still an emerging scene, like hardcore and metal in England anyway, you know. The bands that we liked were playing in pubs. We’d go on weekends to see like hardcore metal action. They’d be playing to like 100 people maximum in a pub. So, there was no real like aspirations to be a big band because the music we were playing was so niche.”

Metalcore wasn’t a path to fame in early-2000s Britain. At 16 or 17, they were still living with their parents. Their moms drove them to local gigs. A typical show paid around £20. Once, they were handed £100 for a performance, and that alone made them feel rich.

The dream wasn’t arenas. It was simply getting to play. Yet what they encountered first wasn’t opportunity, it was hostility. When I ask Oli about the lowest point of the band’s early years, he answers without hesitation.

“We got a lot of hate.”

Back then, Bring Me The Horizon looked nothing like what the traditional metal scene considered acceptable. Straightened fringe hanging over their eyes. Skinny jeans. Makeup. They stood out everywhere they went, and paid the price for it.

“We stuck out like sore thumbs. We really had to prove ourselves over the years. And that kind of carried through like when we started getting press with magazines and stuff. Journalists hated us. It just became like a bit of a thing especially in England. Well, only in England really. We were just one of those bands that people loved to hate on. The metal community didn’t really accept us because we weren’t true metal. So there was some low points there in terms of like, almost like scary moments where we were scared, we were going to get beat up at shows or you know, people would attack us. Magazine press would come out and it would be like we’d read it and we’d be like oh my god we sound like terrible humans. Festivals we’d play and we’d get bottles. It was like insane.”

Their debut album brought American tours, awards, and the sense that every impossible dream was suddenly unfolding at once. Against all expectations, and despite the hostility surrounding them, Bring Me The Horizon had made it.

As Oli reflects on that period, he admits the band hadn’t yet pushed themselves creatively. “What would happen if we actually sat down together and really tried and really pushed ourselves and tried to find our own sound?” Rather than repeating what had already worked, they challenged themselves to become something entirely different. The result was Suicide Season.

The backlash was immediate.

Fans questioned the cleaner vocals. Critics dismissed the nu-metal influences. Comparisons to Slipknot were thrown around as insults rather than compliments. For a moment, the band believed they had destroyed everything they had built. Then, slowly, people caught up. Months later, opinions began to shift. What had initially been rejected evolved into one of the defining records of the band’s career, ultimately propelling Bring Me The Horizon to an entirely new level.

“We took a big risk by doing that, and it paid off so well.”

That experience shaped an unwritten rule the band has followed ever since: never make the same album twice. Every record must push into unfamiliar territory. Every creative decision must begin with curiosity rather than expectation. It has become perhaps the only constant in Bring Me The Horizon’s constantly evolving sound.

Naturally, every reinvention has divided listeners. Every new album sparks the same debate, some embrace the change, others reject it. But Bring Me The Horizon has long stopped treating audience approval as the starting point of the creative process.

“That’s not how great music’s written. You don’t write music for someone else, you write music for yourself, you write music that really excites you. And that’s all we do. Every time we put out a record, every song on that record, I love this. In this moment, this is perfect for me. I know some people aren’t gonna like it, but at the end of the day, if I try and write music for those people, I’ll end up writing music that nobody likes. So all I can do is write music that I love, that excites me, and I think when you do that, if you love it, there’s gonna be all these other people out there that feel the same way.”

Looking back on the conversation, this interview felt more like a master class in building a music career from the ground up. Through Bring Me The Horizon’s journey, we were taken back to a different era of music - the early 2000s, when artists had no social media to instantly connect with millions of audiences, no algorithms to amplify their voices. Success meant navigating a fiercely critical media landscape, and proving yourself night after night in front of the people who didn’t always understand you.

You don’t always need to announce your vision to the world, nor do you need to compromise your own taste to satisfy others. What matters is trusting your instincts, believing in what excites you, and pushing that vision as far as it can possibly go.

Watching Oli recount the battles that never broke him, I felt a sense of strength far more powerful than any explosive moment he has ever delivered on stage.

Photo by: Matty Vogel