알렉스 회그 안데르센: 어둠과 공감 사이, 그리고 내면에 존재하는 진실

어둠과 공감 사이에서, 〈바이킹스〉의 배우는 현대 텔레비전에서 가장 복잡한 캐릭터 중 하나 뒤에 숨겨진 섬세함을 드러낸다. 결국 남는 것은 캐릭터를 넘어선 감정이다. 그리고 그 보편적인 언어 속에서 알렉스 회그 안데르센은 세상과 연결되는 가장 진실한 방식을 발견했다.

우리가 알렉스 회그 안데르센을 찾은 이유는 매우 분명하다. 그의 커리어는 단순히 두각을 나타내는 것을 넘어, 산업 전반의 더 큰 변화를 반영하고 있기 때문이다. 오늘날 북유럽 영화와 텔레비전은 세계 무대에서 강력한 입지를 차지하며, 세련되고 사색적이며 깊이 인간적인 언어를 함께 가져오고 있다. 그리고 알렉스는 분명히 그 흐름의 일부다.

그것은 결코 우연이 아니다. 덴마크에 있는 그의 집에서 그는 완벽하게 시간을 지키며 우리를 맞이했고, 그의 진심 어린 열정은 즉시 느껴졌다. 그에게는 사람들의 기대를 조용히 깨뜨리는 무언가가 있다. 그는 단지 〈바이킹스〉를 통해 세계가 처음 만난 인물에 그치지 않고, 끊임없이 진화하는 아티스트다.

32세인 그의 활동 영역은 연기를 훨씬 넘어선다. 알렉스는 다양한 분야를 자유롭게 넘나든다. 그는 영화감독이자, 올리버 그린 워치스의 크리에이티브 디렉터이며, 직관적이고 거의 명상적인 분위기를 지닌 작품을 만드는 열정적인 사진가다. 그의 작업은 갤러리 벽에 전시되어도 전혀 이상하지 않을 만큼의 완성도를 가지고 있다. 그의 사진이 곧 전시되어, 그가 연기하는 캐릭터들과 같은 깊이로 관객과 소통하게 될 가능성은 충분히 예상할 수 있다.

하지만 재능을 넘어 그를 가장 정의하는 것은 세상을 대하는 태도다. 따뜻하고, 중심이 잡혀 있으며, 깊이 존중을 담고 있는 사람으로서 알렉스는 보기 드문 진정성을 지니고 있다. 자신의 작업에 대한 찬사를 받을 때든 일상적인 대화를 나눌 때든, 그의 반응은 언제나 솔직함에서 비롯된다. 이러한 섬세함은 덴마크 적십자 청소년단과 같은 인도주의 활동에 대한 그의 지원으로도 이어지며, 이는 스크린을 훨씬 넘어선 그의 인식을 보여준다.

그럼에도 불구하고, 그의 세계적인 영향력은 여전히 ‘뼈 없는 이바르’와 깊이 연결되어 있다. 〈바이킹스〉에서의 연기는 그를 단순한 국제적 돌파구로 만든 것을 넘어, 젊은 나이에도 매우 복잡한 역할을 소화할 수 있는 배우임을 보여주었다. 그는 21세라는 아주 어린 나이에 촬영을 시작했으며, 신체적 장애를 가진 캐릭터를 놀라울 정도로 정밀한 감정 표현으로 연기해, 일부 의료 전문가들조차 그의 연기의 사실성을 인정할 정도였다.

오늘날 그와 같은 추진력은 새로운 영역으로 그를 이끌고 있다. 그는 최근 영국을 비롯한 여러 국제 영화제에서 상영된 자신의 최신 영화 프로젝트들에 대해 흥분된 마음으로 이야기했고, 아시아와의 점점 깊어지는 연결에 대해서도 공유했다. 특히 부산국제영화제에 대한 관심이 두드러지는데, 이는 그의 작품을 기념하는 동시에 창작자로서의 관점을 더욱 확장시키는 공간이기도 하다.

그가 영화, 훈련, 그리고 성장에 관해 이야기하는 것을 듣다 보면, 그의 길이 자아에 의해 만들어진 것이 아니라 의도에 의해 구축된 것임을 깨닫게 된다.

그리고 바로 그 지점에서 그의 이야기는 더 큰 의미를 갖게 된다. 왜냐하면 알렉스 회그 안데르센을 진정으로 정의하는 것은 단순히 상징적인 역할의 영향력만이 아니라, 그 자리에 머무르기를 거부하는 태도이기 때문이다. 반복하지 않고, 안주하지 않으며, 머무르지 않는 선택이다. 익숙한 공식이 인정받는 업계에서 그는 위험을 선택했다. 카메라 뒤에서 영화 제작을 탐구하고, 사진을 통해 시각적 정체성을 구축하며, 자신을 잃지 않은 채 상업적 영역과 예술적 영역 사이를 자유롭게 오가고 있다.

그는 끊임없는 노출이 아니라 ‘목소리’를 구축하는 것이 진정한 영향력임을 이해하는 새로운 세대의 유럽 배우들에 속한다. 크지 않아도 오래 남는 목소리 말이다.

그리고 세상은 여전히 그를 거친 이바르로 기억할지도 모르지만, 그와 동시에 훨씬 더 흥미로운 무언가가 함께 펼쳐지고 있다. 알렉스 회그 안데르센은 단 하나의 결정적인 순간에 의존하는 것이 아니라, 지속적인 진화를 기반으로 한 커리어를 조용히 써 내려가고 있다. 더 많은 자유. 더 많은 자각. 더 많은 주도권.

결국 남는 것은 전 세계 스크린을 정복한 캐릭터만이 아니라, 그것을 넘어설 것을 선택한 아티스트다. 그리고 오늘날의 세계에서 그것은 어쩌면 가장 반항적인 선택일지도 모른다.

RSK: 당신의 〈바이킹스〉에서의 연기는 관객들에게 깊은 인상을 남겼습니다. 개인적으로 저는 가족의 추천으로 이 시리즈를 접하게 되었지만, 제 관심을 진정으로 사로잡은 것은 당신이 연기한 캐릭터의 복잡성이었습니다. 의학적 배경을 가진 저로서는, 당신이 구축한 심리적 차원이 특히 흥미로웠습니다. 미묘함과 모순으로 가득한 어려운 인물이었습니다. 그런 의미에서, 이렇게 도전적이고 독특한 캐릭터를 생생하게 만들기 위한 준비 과정은 어떠했나요?

“정말 감사합니다. 흥미롭게도 전통적이거나 체계적인 준비 과정은 없었습니다. 저는 그 역할을 맡았을 때 겨우 22살이었고, 아주 어렸기 때문에 지금보다 훨씬 많은 것들을 잘 알지 못했습니다. 굳이 정의하자면, 제 가장 큰 도구는 항상 직관이었습니다. 저는 그것에 크게 의존했는데, 삶의 경험이나 전문적인 경험이 충분하지 않았기 때문입니다.

하지만 저에게는 아주 분명한 점이 하나 있었습니다. 저는 항상 복잡한 캐릭터, 즉 안티히어로에게 끌려왔다는 것입니다. 저는 슈퍼맨에는 특별히 관심이 없었습니다. 왜냐하면 그는 거의 도달할 수 없는 완벽함을 상징하기 때문입니다. 반면 저는 배트맨에 항상 매료되었습니다. 그는 옳음과 어둠 사이의 회색 지대에 존재하기 때문입니다.

그리고 이바르 같은 캐릭터를 맡게 되면, 바로 그런 것을 받게 됩니다. 깊이 모순적인 존재 말입니다. 어떤 사람들은 그를 영웅이라기보다는 반영웅에 가깝다고 말하겠지만, 저에게 그는 항상 어떤 형태의 영웅성을 가지고 있었습니다—적어도 그의 관점에서는요.

우리는 심각한 신체적 장애를 가지고 태어나고, 그것을 이해하지도 받아들이지도 못하는 시대 속에서 살아가며, 동시에 전설적인 인물의 아들이라는 위치에 놓인 사람을 이야기하고 있습니다. 그 압박감, 정서적 방치, 과잉보호… 이 모든 것이 내적 갈등이 깊은 인간을 만들어냅니다.

저에게 연기의 핵심은 그를 판단하는 것이 아니라, 그를 방어하고 이해하는 것이었습니다. 그의 모든 행동—가장 의문스러운 행동조차도—깊은 결핍을 보완하려는 필요에서 비롯되었다는 것을 이해하는 것이었습니다.”

RSK: 당신 연기의 가장 인상적인 부분 중 하나는 바로 그 사실감입니다. 제 의학적 경험으로 볼 때, 매우 현실에 가까운 가족 및 정서적 역학을 알아볼 수 있었습니다. 이런 수준의 진정성을 구현하는 것이 당신에게 중요했나요?

“의심할 여지 없이, 제가 받을 수 있는 최고의 칭찬입니다. 처음부터 저는 큰 책임감을 느꼈습니다. 이것은 단순한 허구가 아니라, 실제로 많은 사람들이 살아가고 있는 현실이기 때문입니다. 저는 그것을 존중과 진실로 표현하고 싶었습니다.

그래서 당신처럼 실제 경험이 있는 분이 그것을 현실적으로 느꼈다고 말해준다면… 그것은 작업이 목적을 달성했다는 의미입니다. 배우에게 있어 그것보다 더 중요한 것은 없습니다. 진짜처럼 느껴지는 것 말입니다.”

RSK: 연기적인 측면을 넘어서, 당신의 연기는 상당한 신체적·기술적 노력도 요구했습니다. 촬영 기간 동안 일상적인 경험은 어땠나요?

“정말 도전적인 캐릭터였지만, 창작적인 측면에서는 동시에 매우 재미있기도 했습니다. 신체적으로도 상당히 힘들었습니다. 저는 바닥에서 오랜 시간을 보내야 했고, 불편한 의상을 입어야 했으며, 움직임도 제한되어 있었습니다. 다른 배우들이 자유롭게 움직일 수 있을 때, 저는 끊임없이 그 상황에 적응해야 했습니다.

하지만 바로 그 지점이 이 캐릭터의 풍부함이 존재하는 곳이었습니다. 층위가 많고, 모순으로 가득하며, 끊임없이 저항하고, 미묘한 결을 가진 인물이었습니다. 그리고 제가 그를 51개의 에피소드 동안 연기할 수 있었다는 것은 큰 선물이었습니다. 한 캐릭터를 이렇게 오랫동안 깊이 있게 탐구할 기회는 항상 주어지는 것이 아니기 때문입니다.

또한 저는 장애를 가진 사람들이 “처음으로 자신들이 강한 캐릭터로 표현되었다고 느꼈다”고 말해준 것을 매우 의미 있게 생각합니다. 보통 그들은 약하거나 의존적인 존재로 묘사되지만, 이 캐릭터는 자신의 한계에도 불구하고 싸우고, 살아남고, 많은 면에서 승리하기도 했습니다.”

RSK: 캐릭터가 매우 강렬하고 오랫동안 화면에 등장하면, 필연적으로 흔적을 남기게 됩니다. 당신의 경험에서, 그 정체성을 내려놓고 다시 자신으로 돌아오는 과정은 어땠나요?

“매우 흥미로운 질문입니다. 저에게는 그렇게 어렵지 않았습니다. 저는 항상 저 자신과의 연결이 명확했기 때문입니다. 또한 이바르는 저와 매우 다른 인물이어서, 그것이 분리를 더 쉽게 만들어주었습니다.

그리고 중요한 점이 하나 있습니다. 저는 연기를 위해 제 개인적인 경험을 직접 사용하지 않습니다. 제가 사용하는 것은 감정입니다. 감정은 보편적이기 때문입니다. 저는 캐릭터와 똑같은 경험을 하지 않았을 수도 있지만, 외로움, 고통, 좌절이 어떤 느낌인지는 이해할 수 있습니다. 그리고 저는 그 지점에서 출발합니다. 저에게 연기에서 가장 중요한 것은 공감입니다. 다른 사람의 입장이 되어 그들이 왜 그런 선택을 하는지 이해하는 능력입니다.”

RSK: 당신의 캐릭터는 스크린을 넘어 전 세계 많은 관객들에게 하나의 기준점이 되었습니다. 관객들과의 이런 직접적인 영향력을 어떻게 경험하고 있나요?

“사람들이 길에서 저를 이바르라고 부를 때, 저는 그것을 매우 큰 칭찬으로 받아들입니다. 새로운 시리즈, 영화, 콘텐츠가 끊임없이 쏟아져 나오는 산업에서 한 캐릭터가 사람들의 기억 속에 남는다는 것은 매우 드문 일이기 때문입니다. 심지어 그 캐릭터를 문신으로 새긴 것도 봤어요… 그만큼 영향력이 크다는 걸 실감했죠. 정말 엄청난 영광입니다.”

RSK: 요구가 많고 때로는 거리감이 느껴지는 이 산업 속에서, 당신의 대중과의 가까움은 매우 인상적입니다. 진정성, 존중, 그리고 진심 어린 인간미가 느껴집니다. 이런 방식으로 사람들과 연결되는 태도는 어디에서 비롯된 것인가요?

“정말 감사합니다. 저는 그것이 전적으로 제 성장 환경에서 비롯된 것이라고 생각합니다. 저는 항상 곁에 있어 준 부모님과 함께 자랐고, 그분들은 존중, 공감, 사랑을 일상의 언어로 사용하는 것의 가치를 가르쳐 주셨습니다. 또한 자신이 가진 특권을 인식하는 것도 중요하다고 생각합니다. 항상 완벽하게 해내는 것은 아니지만, 그것을 의식하려고 노력하고 있습니다. 결국 우리는 모두 인간입니다. 저도 제시 플레먼스처럼 제가 깊이 존경하는 사람을 만나면 긴장할 것 같습니다.”

RSK: 당신의 커리어는 계속해서 새로운 영역으로 확장되고 있습니다. 특히 국제적으로 어떤 최근 또는 향후 프로젝트를 기대할 수 있을까요?

“저는 〈레드, 화이트 & 더 로열 웨딩〉이라는 국제 프로젝트를 작업하고 있습니다. 또한 〈더 퍼스트 머더〉에도 참여했는데, 1927년의 경찰관 역할을 맡았습니다. 덴마크에서의 첫 주연 작품이었고, 그만큼 큰 책임이 따르는 경험이었습니다. 저는 여러 배우가 함께 이야기를 이끌던 역할에서 벗어나 하나의 전체 이야기를 이끄는 위치로 이동했는데, 그것은 동시에 흥미롭고도 도전적인 경험이었습니다.”

RSK: 특히 한국을 포함한 아시아 영화 산업은 전 세계적으로 부인할 수 없는 영향력을 갖게 되었습니다. 배우로서 이런 영화들에서 무엇이 당신에게 영감을 주나요?

“저는 그것이 매우 흥미롭다고 생각합니다. 한국은 영화에서 세계적인 기준점이 된 나라입니다. 〈살인의 추억〉, 〈기생충〉, 〈패스트 라이브즈〉 같은 영화들은 매우 특별한 무언가를 가지고 있습니다. 거기에는 다른 감성이 있습니다. 지성과 독창성의 결합, 그리고 침묵을 활용하는 뛰어난 능력이 있습니다. 때로는 한 대사가 아니라 하나의 시선이 훨씬 더 많은 것을 전달하기도 하는데, 그런 서사는 저에게 매우 강력하게 다가옵니다.”

RSK: 연기 외에도, 당신은 사진을 통해 강한 시각적 감각을 발전시켜 왔습니다. 이 분야는 당신의 창작 삶에서 어떤 역할을 하나요?

“감사합니다. 사진은 제 삶에서 항상 매우 중요한 부분이었습니다. 거의 일종의 치료 같은 역할을 합니다. 특히 촬영장에서 쉬는 시간 동안에도 창의성을 유지할 수 있게 해줍니다. 저는 항상 카메라를 가지고 다니는데, 실제적이고 자연스러운 순간을 포착하는 것에 관심이 있기 때문입니다. 제 삶은 카메라 앞과 뒤에서 모두 순간을 창조하고 포착하는 것에 중심이 있다고 생각합니다.”

RSK: 좀 더 개인적인 이야기로, 〈콜 미 대드〉 같은 프로젝트는 매우 독특한 창작적 호기심을 보여줍니다. 이 아이디어는 어떻게 시작되었고, 그것을 발전시키는 것은 당신에게 어떤 의미였나요?

“그것은 코로나 시기에 시작되었습니다. 모든 것이 멈춰 있던 시기였죠. 아주 단순하지만 도발적인 아이디어에서 출발했습니다: 만약 당신의 가장 친한 친구가 당신의 어머니와 사귀기 시작한다면 어떨까? 그로부터 우리는 하나의 완전한 프로젝트를 만들어냈습니다. 그것은 정말 놀라운 경험이었습니다. 왜냐하면 저는 단순히 연기만 한 것이 아니라, 창작과 제작 과정에도 직접 참여했기 때문입니다.”

RSK: 당신의 창작적 프로필은 디자인과 비즈니스 영역으로도 확장되고 있습니다. 현재 어떤 새로운 프로젝트를 개발하고 있나요?

“저는 여러 분야에서 활발하고 창의적으로 활동하는 것을 좋아합니다. 저는 노드그린과 올리버 그린의 크리에이티브 디렉터로 일하고 있습니다. 새로운 제품을 디자인하고, 영상 프로젝트를 진행하며, 끊임없이 새로운 아이디어를 탐구하고 있습니다. 또한 〈더 퍼스트 머더〉의 후속 시즌 가능성도 있는데, 그것은 매우 흥미로운 일이 될 것입니다.”

RSK: 알렉스, 당신과 이야기할 수 있어서 진심으로 영광이었습니다. 당신의 작업뿐만 아니라 삶과 예술에 대한 관점까지 공유해 주셔서 감사합니다.

“아닙니다, 정말 제가 감사합니다. 매우 특별한 대화였습니다. 저는 인터뷰가 단순한 질문과 답변을 넘어설 때, 즉 실제 연결이 만들어질 때 항상 아름답다고 생각합니다. 그리고 이번이 바로 그런 순간이었다고 느낍니다.

저에게 있어, 일과 삶 모두에서 가장 중요한 것은 호기심을 유지하고, 계속 배우며, 다른 사람들에 대한 공감 능력을 잃지 않는 것입니다. 결국 그것이 제가 지금 하는 일을 가능하게 합니다. 즉, 나와 매우 다른 사람들까지도 이해하는 것입니다. 또한 저는 제가 얼마나 운이 좋은 사람인지 끊임없이 상기하려고 노력합니다. 창의적인 일을 통해 살아갈 수 있다는 것, 이야기를 전할 수 있다는 것, 전 세계 사람들과 연결될 수 있다는 것은 당연한 일이 아닙니다.

사람들이 제 작업에서 가져가길 바라는 것이 있다면, 그것은 단순한 오락이 아니라, 다른 사람을 조금 더 이해하게 되는 작은 감각이었으면 합니다. 왜냐하면 우리가 그것을—잠깐이라도—이룰 수 있다면, 세상은 조금 더 가까워지고, 조금 더 인간적으로 변한다고 믿기 때문입니다. 그래서 이 대화와 이 공간에 대해 진심으로 감사합니다.”

사진 제공: Anders Hein

글: Camila Avella Cordoba

“Between Shadows, Empathy, and the Truth Within

Between darkness and empathy, the actor from Vikings reveals the sensitivity behind one of the most complex characters in contemporary television. Because in the end, beyond the character, what remains is emotion. And in that universal language, Alex Høgh Andersen has found his most honest way of connecting with the world.

We arrived at Alex Høgh Andersen for a very clear reason: his trajectory doesn’t just stand out—it reflects a broader shift in the industry. Today, Nordic cinema and television are claiming a powerful place on the global stage, bringing with them a language that is sophisticated, introspective, and deeply human. And Alex is undeniably part of that conversation.

That’s no coincidence. From his home in Denmark, he welcomed us with impeccable punctuality and a genuine enthusiasm that was felt instantly. There’s something about him that quietly breaks expectations: he’s not only the figure the world met through Vikings, but an artist in constant evolution.

At 32, his profile extends far beyond acting. Alex moves effortlessly across disciplines: he’s a filmmaker, a creative director for Oliver Green Watches, and a passionate photographer whose work—intuitive, almost contemplative—feels destined for gallery walls. It wouldn’t be surprising to see his photography soon exhibited, speaking with the same depth as the characters he portrays.

But beyond talent, what defines him most is the way he moves through the world. Warm, grounded, and deeply respectful, Alex carries a rare kind of authenticity. Whether he’s receiving praise for his work or engaging in everyday interactions, his responses come from a place of honesty. That same sensitivity extends into his support for humanitarian initiatives like Danish Red Cross Youth, reflecting an awareness that goes far beyond the screen.

And yet, his global impact remains closely tied to Ivar the Boneless. His performance in Vikings didn’t just make him an international breakthrough—it revealed an actor capable of taking on deeply complex roles from a young age. He began filming at just 21, portraying a character with a physical disability with such emotional precision that even medical professionals have recognized the authenticity of his work.

Today, that same drive is guiding him into new spaces. He spoke with excitement about his latest film projects, showcased at international festivals across the UK and beyond, and shared his growing connection to Asia—with a particular interest in the Busan International Film Festival. A space that not only celebrates his work, but also fuels his perspective as a creator.

Listening to him speak about cinema, discipline, and evolution… you realize his path isn’t built on ego, but on intention.

And that’s where his story becomes something more. Because what truly defines Alex Høgh Andersen is not just the impact of an iconic role, but his refusal to stay there. To repeat himself. To settle. In an industry that often rewards formulas, he has chosen risk: exploring filmmaking from behind the camera, shaping a visual identity through photography, and navigating between commercial and artistic spaces without losing his sense of self.

He belongs to a new generation of European actors who understand that real impact isn’t about constant visibility—it’s about building a voice. A voice that doesn’t need to be loud to be lasting.

And while the world may still remember him as the fierce Ivar, something far more compelling is unfolding in parallel: Alex is quietly writing a career that doesn’t rely on a single defining moment, but on continuous evolution. More freedom. More awareness. More ownership.

Because in the end, what remains isn’t just the character who conquered global screens—but the artist who chose to go beyond it. And in today’s world, that might just be the most rebellious thing of all.”

RSK: Your performance in Vikings left a deep impression on audiences. Personally, I came to the series through a family recommendation, but it was the complexity of your character that truly captured my attention. Given my background in medicine, I found the psychological dimension you built especially fascinating: a difficult profile, full of nuances and contradictions. In that sense, what was your preparation process like to bring such a demanding and unique character to life?

“Thank you very much. Interestingly, there wasn’t a traditional or extensive preparation. I was only 22 when I got the role, so I was very young and, honestly, less aware of many things than I am now. If I had to define it, I’d say my greatest tool has always been intuition. I relied heavily on it, because I didn’t have much life or professional experience to draw from.

But there was also something very clear to me: I’ve always been drawn to complex characters, antiheroes. I was never particularly interested in Superman, because he represents an almost unattainable perfection. On the other hand, I’ve always been fascinated by Batman, because he exists in that gray area between what is right and what is dark.

And when you’re given a character like Ivar, that’s exactly what you receive: a deeply contradictory being. Some would say he’s more anti than hero, but to me, he always had something heroic—at least from his own perspective.

We’re talking about someone born with a severe disability, in a time that neither understands nor accepts it, and who is also the son of a legendary figure. The pressure, the emotional neglect, the overprotection… all of that builds a deeply conflicted human being.

For me, the work wasn’t to judge him, but to defend him. To understand that every one of his actions—even the most questionable ones—came from a need to compensate for a deep sense of incompleteness.”

RSK: One of the most striking aspects of your performance is precisely its realism. From my medical experience, I was able to recognize family and emotional dynamics that felt very close to reality. Was it important for you to reach that level of authenticity?

“That is, without a doubt, the greatest compliment I could receive. From the beginning, I felt a great responsibility, because this wasn’t just fiction—it’s a reality many people live with. I wanted to portray it with respect, with truth.

So hearing that someone with your experience perceives it as real… that means the work fulfilled its purpose. For an actor, there is nothing more important than that: that it feels authentic.”

RSK: Beyond the emotional aspect, your performance also required a great physical and technical effort. What was that experience like on a daily basis during filming?

“It was an incredibly challenging character, but also very fun from a creative standpoint. Physically, it was demanding: I spent hours on the ground, wearing uncomfortable costumes, limited in movement. While others could move freely, I had to constantly adapt.

But that was exactly where the richness was. It was a character full of layers, contradictions, constant resistance, and nuances. And the fact that I got to portray him for 51 episodes was a gift. You don’t always get the opportunity to explore a character so deeply over time.

It was also very meaningful to hear people with disabilities say that, for the first time, they felt represented as strong characters. Because they are usually portrayed as weak or dependent, and here was someone who, despite his limitations, fought, survived, and, in many ways, triumphed.”

RSK: When a character is so intense and remains on screen for so long, it inevitably leaves a mark. From your experience, what was the process like of letting go of that identity and returning to yourself?

“That’s a very interesting question. For me, it wasn’t that difficult, because I’ve always had a clear connection with myself. Also, Ivar is very different from me, and that makes it easier to separate things.

Now, something important: I don’t use my personal experiences directly for acting. What I use are my emotions, because emotions are universal. I may not have lived exactly the same things as the character, but I understand what loneliness, pain, and frustration feel like. And that’s where I build from. For me, the most important thing in acting is empathy: the ability to put yourself in someone else’s place and understand why they do what they do.”

RSK: Your character has transcended the screen and become a reference for many viewers around the world. How do you experience that direct impact with the audience?

“When people call me Ivar on the street, I see it as a huge compliment. In an industry where new series, films, and content are constantly being released, having a character remain in people’s memory is very rare.

I’ve even seen tattoos of the character… and that’s a very real level of impact. It’s an enormous privilege.”

RSK: In the middle of a demanding and often distant industry, your closeness with the public is striking. There’s a sense of authenticity, respect, and genuine humanity. Where does that way of connecting with others come from?

“Thank you, truly. I think it all comes from my upbringing. I had very present parents who taught me the value of respect, empathy, and love as a daily language. I also think it’s important to recognize the privilege one has. I don’t always do it perfectly, but I try to stay aware of it.

At the end of the day, we’re all human. I would probably get nervous too if I met someone I deeply admire, like Jesse Plemons.”

RSK: Your career continues expanding into new horizons. What recent or upcoming projects can we expect to see, especially internationally?

“I’m working on Red, White & The Royal Wedding, an international project. I also participated in The First Murder, where I play a police officer in 1927. It was my first leading role in Denmark, and that came with a great level of responsibility.

I went from being part of an ensemble to carrying the weight of an entire story, and that was as exciting as it was challenging.”

RSK: The Asian film industry, particularly South Korea’s, has gained undeniable global relevance. From your perspective as an actor, what inspires you about this kind of cinema?

“I find it fascinating. South Korea is a global reference in cinema. Films like Memories of Murder, Parasite, and Past Lives have something very special.

There’s a different sensitivity: a combination of intelligence, originality, and a great ability to use silence. Sometimes, a look communicates far more than an entire dialogue, and that kind of storytelling feels deeply powerful to me.”

RSK: Beyond acting, you’ve developed a strong visual sensibility through photography. What role does this discipline play in your creative life?

“Thank you. Photography has always been a very important part of my life. It’s almost like a form of therapy. It helps me stay creative, especially during downtime on set. I always carry my camera with me because I’m interested in capturing real, spontaneous moments. I like to think that my life revolves around creating and capturing moments, both in front of the camera and behind it.”

RSK: On a more personal level, projects like Call Me Dad reflect a very particular creative curiosity. How did this idea come about, and what did it mean for you to develop it?

“It was born during COVID, at a time when everything had stopped. It started from a simple but provocative idea: what if your best friend started dating your mother?

From there, we built a full project. It was an incredible experience because I didn’t just act—I was also involved in the creation and production.”

RSK: Your creative profile also extends into design and business. What new projects are you currently developing?

“I like to stay active and creative in different areas. I’m the creative director of Nordgreen & Oliver Green. I’m designing new products, working on audiovisual projects, and constantly exploring new ideas.

There’s also the possibility of a continuation of The First Murder, which would be very exciting.”

RSK: It has truly been a pleasure speaking with you, Alex. Thank you for sharing not only your work, but also your perspective on life and art.

“No, thank you, truly. This has been a very special conversation. I think it’s always beautiful when an interview becomes more than just questions and answers—when a real connection is created. And I feel like that happened here.

For me, the most important thing, both in my work and in my life, is to stay curious, to keep learning, and to never lose that ability to empathize with others. In the end, that’s what allows me to do what I do: to understand other human beings, even when they are very different from me. I also try to constantly remind myself how fortunate I am. Being able to live from something creative, to tell stories, to connect with people across different parts of the world… that’s not something I take for granted.

If there’s one thing I’d like people to take from my work, it’s not just entertainment, but perhaps a small sense of having understood someone else a little better. Because I believe that if we can achieve that—even for a moment—the world becomes a little closer, a little more human. So thank you for this conversation and for the space.”

Photo Credit: Anders Hein

Written by Camila Avella Cordoba